Formation de l'acteur

La pratique du Jeu dramatique et l’éducation corporelle et vocale en sont les deux voies principales de l’enseignement théâtral, complétées par le travail de scènes et la création.

Education corporelle et vocale
Je désire un théâtre ou l’acteur soit l’instrumentiste de son propre corps et que tout ce qu’il fait il le fasse en artiste et non pas qu’il expose sa nature personnelle seulement.
Etienne Decroux.

L’éducation corporelle et vocale est constituée de l’étude du mouvement, d’une initiation au mime corporel et à l’acrobatie, et du chant. Les techniques enseignées sont liées au jeu et aux thématiques d’improvisation.
Donnée en préalable de la classe de Jeu, l’éducation corporelle prépare l’acteur à mieux recevoir et à mieux donner.

Les lois du mouvement organisent toutes les situations théâtrales. Une écriture est une structure en mouvement. Les thèmes peuvent changer, ils appartiennent aux idées, mais les structures du jeu restent liées au mouvement et à ses lois immuables.
C’est par la connaissance et l’étude approfondie du corps et de ses lois que l’élève construit sa présence, édifie un corps poétique et développe une autonomie de création.
Conscient et maître de ce qu’il fait et produit sur scène, il devient acteur.

Technique et théâtralité du mouvement.
L’objectif de cet enseignement est de faire prendre conscience à l’acteur de ses possibilités corporelles expressives en le mettant dans les conditions de le faire passer d’un acteur exécutant à un acteur créateur.
L’enseignement dispensé porte sur la marche, la chute, les appuis, les portées et l’espace (orientation, trajectoire, géométrie).

Mime corporel
En mime corporel, sont étudiés les lois de l’articulation, de l’équilibre, des oppositions, du poids, du rythme, base sur laquelle l’élève peut construire sa présence physique totale qu’il devra ensuite retrouver dans les moments d’improvisation et du spectacle.

Acrobatie
Le travail sur la souplesse, la force, l’équilibre, l’apesanteur conduit l’élève à lui faire retrouver sa liberté de mouvement, renforce sa confiance et son audace physique et éveille son goût du jeu corporel.

Percussions
Jouer sur le dynamisme du rythme aide l’acteur à libérer son corps des conditionnements et des clichés qui étouffent et déforment son jeu. Il s’appuie sur l’apprentissage des percussions pour créer une technique extra-quotidienne dont il se sert dans la recherche d’un corps dramatique.
Sont étudiés les percussions corporelles et vocales, le rythme, l’improvisation sur le rythme, le rythme et le jeu théâtral, le chant et les notions musicales fondamentales à travers les percussions traditionnelles d’Afrique, de Cuba, du Brésil.

Chant
La voix est instrument de création.
Le travail est axé sur la respiration, le rythme, l’écoute, l’harmonie, la découverte de sa tessiture en vue de rendre l’élève apte à se servir de sa voix comme mode personnel d’expression dramatique.

Pratique du Jeu
Programme
Jeu - Masque neutre - Tragédie grecque - Bouffon - Mélodrame - Personnage - Vaudeville - Clown.
L’élève y découvre tout à la fois les lois du spectacle (plaisir, complicité, fantaisie, amour et esprit de jeu, rythme, écriture et direction d’acteur), les grands territoires dramatiques ( tragédie grecque, bouffon, mélodrame, vaudeville, clown), la pensée de poètes dramatiques (Sophocle, Shakespeare, Hugo, Tchekhov, Feydeau, Koltès , Levin…) et les styles.

Mise en jeu du texte dramatique
Le travail de scène débute en décembre, une fois les bases du Jeu mises en place, et se prolonge jusqu’à la fin de l’année. Y sont abordés les processus de jeu, de recherche et de répétition. Quel texte choisir ? Comment aborder une scène ? Comment apprendre le texte et l’intégrer dans le jeu ?